Tatsuo Ikeda et l'actualité de la semaine du 07-13 décembre 2020

Tatsuo Ikeda, LOVE, 1955, encre sur papier. Photo: artnews.com
Tatsuo Ikeda, LOVE, 1955, encre sur papier. Photo: artnews.com

Tatsuo Ikeda était un artiste japonais qui s'est fait connaître pour sa collection de dessins inspirés de ses expériences pendant la Seconde Guerre mondiale. Ben Brown Fine Arts, Londres, présente une exposition de portraits de deux des plus grands peintres figuratifs britanniques: Frank Auerbach et Tony Bevan. «Working Together: The Photographers of the Kamoinge Workshop» sera présenté à partir du 28 mars 2021 au Whitney Museum of American Art.

Tatsuo Ikeda, créateur d'ouvrages inquiétants sur le bilan de la guerre, est décédé à 92 ans

11 décembre 2020 Via artnews.com

Tatsuo Ikeda est décédé en novembre à l'âge de 92 ans. Au cours de sa carrière d'artiste, il a créé de beaux dessins d'apparence sombre inspirés de ses expériences pendant la Seconde Guerre mondiale. Ikeda est né le 25 août 1928 dans la préfecture de Saga, au Japon.

La nouvelle a été annoncée par la galerie d'Ikeda, Fergus McCaffrey, qui a des emplacements à New York, Tokyo et St.Ikeda était un artiste japonais de premier plan qui s'est fait connaître pour sa collection de dessins: Anti-Atomic Bomb, Chronicle of Birds and Beasts et Généalogie des monstres.

Ikeda a été sélectionné comme pilote de kamikaze en 1943, mais heureusement pour le monde de l'art, il n'a pas été envoyé pour un dernier vol suicide avant la fin de la guerre. Après cette douloureuse expérience, Ikeda a déménagé à Tokyo où il a étudié à la Tama Art University. Là, il a rejoint plus tard le groupe d'étude Vanguard Art de Taro Okamoto et Kiyoteru Hanada.

Les trois artistes japonais ont formé le groupe de discussion des producteurs «Seisakusha Kondankai» qui cherchait à créer un nouveau réalisme en se distanciant de l'héritage du réalisme social. Ikeda avait commencé avec le mouvement prolétarien Ude en 1953, inspiré par le surréalisme.

Tatsuo Ikeda, BRAHMAN: Chapitre 3: Floating Sphere-2, 1977. Photo: Fergus McCaffrey
Tatsuo Ikeda, BRAHMAN: Chapitre 3: Floating Sphere-2, 1977. Photo: Fergus McCaffrey

Les premiers dessins d'Ikeda reflétaient la perspective anti-guerre de l'artiste. Ils ont été produits au début des années 1950 dans des couleurs douces, noir et blanc. Ces premiers dessins représentaient des créatures étranges et menaçantes qui semblaient faire allusion aux atrocités de la guerre et aux pouvoirs corrompus du nationalisme.

L'utilisation des plages du village japonais d'Uchinada comme champ de tir et les essais de bombes thermonucléaires par l'armée américaine dans le Pacifique ont servi de catalyseurs à la prochaine série d'Ikeda. Celles-ci comprenaient des œuvres achevées entre 1955 et 1960 comme Généalogie des monstres, Un album d'oiseaux et de bêtes et Cent masques.

Ikeda a peint des portraits pour des Américains stationnés dans des bases au Japon pour subvenir à leurs besoins économiques. Entre 1963 et 1964, il crée la série «Elliptical Space» inspirée de la signature du Traité américano-japonais de coopération et de sécurité.

Entre 1966 et 1970, il explore des thèmes surréalistes dans sa série «Toy World». En 1973, il commence à travailler sur la série «Brahman», pour laquelle il adopte une approche contemplative et philosophique. Ces dernières années, Ikeda a exposé son travail au MOCA Hiroshima au Japon, au Museum of Modern Art et à Fergus McCaffrey à New York et au Tokyo Museum of Contemporary Art, entre autres.

Ouverture de l'exposition d'œuvres de Frank Auerbach et Tony Bevan à Ben Brown Fine Arts

12 décembre 2020 - Via artdaily.com

Ben Brown Fine Arts, Londres, présente une exposition de portraits de deux des plus grands peintres figuratifs britanniques, «Frank Auerbach / Tony Bevan: Qu'est-ce qu'une tête?»

Cette exposition organisée par Michael Peppiatt est basée sur une autre exposition organisée en 1998 par le même Peppiatt au Musée Maillol à Paris sous le titre «L'Ecole de Londres de Bacon à Bevan». Il retrace l'influence de Bacon, Freud, Auerbach et Kossoff sur la nouvelle génération d'artistes figuratifs à Londres.

Frank Auerbach / Tony Bevan Qu'est-ce qu'une tête? Photo: benbrownfinearts.com
Frank Auerbach / Tony Bevan Qu'est-ce qu'une tête? Photo: benbrownfinearts.com

Bevan et Auerbach, même s'ils sont séparés d'une génération, ils partagent une fascination pour les possibilités conceptuelles et picturales de réinventer les têtes. Pour les deux artistes, la tête est le centre qui contrôle tout ce que nous faisons. Entre confrontation d'impulsion et confinement; instinct et ordre; spontanéité et discipline; ce monde est plein de contradictions. Pourtant, pour les deux, il reste le principal vecteur de la vie humaine.

A Auerbach, vous pouvez voir l'image s'élever à travers le tableau. Ceux-ci évoquent la lutte, l'épuisement, un feu qui brûle à jamais dans les épaisses couches de peinture. Bevan explore sa structure interne comme un espace inconnu, une architecture expérimentale. Les différences et similitudes sur un même sujet semblent instaurer un dialogue entre les générations. Mais aussi dans notre vision de la peinture, comme une vision en constante évolution de la conscience humaine.

Une tête peut contenir un monde entier, peut être le lieu d'existence lui-même et simultanément un mystère complet. On peut peut-être dire qu'il contient tout ce que nous sommes et tout ce que nous pouvons savoir et même nos limites.

La tête peut également servir de miroir à l'histoire de l'art dans toute sa splendeur. Car la façon dont il est représenté a constamment changé au fil des ans. Même après des siècles de représentation, il semble qu'il reste beaucoup de matière à explorer pour les artistes contemporains.

A Bevan et Auerbach, il y a autant pour les différencier que pour les unir. Bien qu'ils soient séparés d'une génération, ils partagent la fascination pour toutes les possibilités conceptuelles et picturales de réinventer les têtes.

En 1963, un groupe de photographes noirs de Harlem a décidé de construire son propre écosystème artistique

9 décembre 2020 - Via artnet.com

L'image ci-dessous semble être la photographie la plus célèbre du collectif Kamoinge. Elle a été prise lorsque 14 membres du collectif fondateur se sont réunis devant un fond blanc. «Working Together: The Photographers of the Kamoinge Workshop» sera présenté à partir du 28 mars 2021 au Whitney Museum of American Art.

Anthony Barboza, membres de Kamoinge (1973). Avec l'aimable autorisation du Whitney Museum of Art. © Anthony Barboza
Anthony Barboza, membres de Kamoinge (1973). Avec l'aimable autorisation du Whitney Museum of Art. © Anthony Barboza

Le collectif Kamoinge faisait partie du Kamoinge Workshop, fondé par un groupe entreprenant d'artistes noirs à New York il y a près de 60 ans. Le groupe a été créé à Harlem comme un espace de collaboration entre les photographes. Le concept qui a réuni ce groupe est dans leur nom. Il est basé sur le mot Kikuyu (un groupe ethnique bantou originaire du centre du Kenya) qui signifie «un groupe de personnes agissant ensemble».

Carrie Springer était la conservatrice qui a aidé à organiser l'exposition sur le travail et l'héritage de l'atelier Kamoinge qui est maintenant exposée au Whitney Museum. «Pour moi, cette photographie capture l'énergie et l'esprit du groupe dans son ensemble, mais elle vous donne également un aperçu de leurs personnalités et styles individuels», a déclaré Springer.

Intitulée «Working Together», l'exposition comprend environ 140 photographies des membres du groupe prises tout au long des années 1960 et 1970, alors qu'ils exploraient la photographie au sein du mouvement florissant des arts noirs.

Springer a adapté l'exposition à partir d'une version antérieure organisée plus tôt cette année par Sarah Eckhardt au Virginia Museum of Fine Arts (VMFA). «Les photos sont le principal héritage de l'atelier, mais pas beaucoup au-delà de ses réalisations derrière la caméra. Leur engagement auto-organisé et de longue date envers leurs communautés et le centrage des expériences et des publics noirs dans leur art », a déclaré Springer.

Les membres inauguraux de Kamoinge comprenaient Albert Fennar, Herb Randall, Shawn Walker et Louis Draper. Ce groupe a fusionné à partir de deux groupes de photographes noirs en 1963. Ils étaient tous conscients des barrières qui empêchaient les photographes noirs d'avoir une voix dans la communication grand public.

«Avec tous les talents inexploités parmi [les membres du groupe], il n'y avait aucune raison pour que cela ne soit pas développé et exprimé. Ainsi, il est valable d'affirmer que l'atelier de Kamoinge, tout en opérant dans une arène de négation, a été principalement forgé dans une atmosphère d'espoir et non de désespoir. Draper a rappelé.

Draper, historien, professeur et ambassadeur du groupe, a été une figure particulièrement instrumentale pour façonner la vision de l'atelier au fur et à mesure de son évolution. Il a fait venir Langston Hughes, qui vivait dans l'immeuble de Draper, en tant que consultant. Plus tard, Hughes a présenté le groupe au photographe pionnier Roy DeCarava, qui est devenu le premier directeur de Kamoinge. Draper a également amené de nombreux artistes dans le giron, y compris Ray Francis, Daniel Dawson et Ming Smith.

C'est grâce au travail de Draper qu'Eckhardt a été présenté à l'atelier 50 ans après sa création. En 2012, la sœur de Draper a apporté une boîte de ses œuvres à la VMFA en espérant que l'institution serait intéressée par l'acquisition de ses riches archives, et la VMFA l'a fait. «Elle a ouvert pour moi cette boîte de photographies, et c'étaient juste des images époustouflantes et étonnantes, j'ai immédiatement couru dans le couloir et j'ai trouvé le conservateur en chef», a déclaré Eckhardt.

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