Lynette Yiadom-Boakye et Art News of the Week 14-21 décembre 2020

Lynette Yiadom-Boakye: Volez en ligue avec la nuit. Photo: Tate
Lynette Yiadom-Boakye: Volez en ligue avec la nuit. Photo: Tate

«Lynette Yiadom-Boakye: Fly In League With The Night», une rétrospective révélatrice qui fait sortir la Tate Britain de sa zone de confort est exposée à la Tate Britain jusqu'au 9 mai 2021. Roland Reiss est décédé le 13 décembre à Los Angeles à la l'âge de quatre-vingt-onze ans. Reiss était surtout connu pour ses dioramas des années 1970 et 1980. Le nouveau livre de Reid Mitenbuler «Wild Minds: The Artists and Rivalries That Inspired the Golden Age of Animation» raconte l'histoire des débuts de l'animation, dans les premières décennies du 20e siècle.

Rétrospective révélatrice de Lynette Yiadom-Boakye

16 décembre 2020 - Via artnet.com

«Lynette Yiadom-Boakye: Fly In League With The Night» est exposée à la Tate Britain jusqu'au 9 mai 2021. Ce spectacle est une rétrospective révélatrice qui sort la Tate Britain de sa zone de confort. Le style de portrait à figures noires de l'artiste porte la tradition du portrait à de nouveaux extrêmes.

Lynette Yiadom-Boakye est une peintre et écrivaine britannique née en 1977. Son travail a contribué à la renaissance de la peinture à la figure noire. Elle est connue pour ses portraits de sujets imaginaires peints dans des couleurs douces.

Lynette Yiadom-Boakye: Une passion pas comme les autres. Photo: Tate
Lynette Yiadom-Boakye: Une passion pas comme les autres. Photo: Tate

«Fly In League With The Night» est peut-être l'exposition d'art du patrimoine africain que les visiteurs ont besoin de voir. L'exposition permet d'apprécier les joies, les angoisses, les problèmes et toutes leurs complexités des personnages de la peinture de Yiadom-Boakye.

Lynette Yiadom-Boakye est née à Londres, au Royaume-Uni, où elle vit et travaille actuellement. Elle a fréquenté le Central St. Martins College of Art and Design puis le Falmouth College of Art où elle a obtenu son BA en 2000. Elle a ensuite fait une maîtrise dans les écoles de la Royal Academy en 2003.

Avec cette nouvelle exposition, vous pourrez apprécier les mérites de Yiadom-Boakye en contribuant aux représentations des Noirs dans l'art. L'artiste britannique réussit en tant que peintre figuratif, quel que soit le thème choisi.

Les personnages dans les peintures sont des créations de l'imagination de Yiadom-Boakye. Les œuvres exposées s'étendent sur près de deux décennies. Inclus sont quelques peintures récentes réalisées pendant l'emprisonnement qui étudient les principes du clair-obscur et travaillent avec l'obscurité.

L'exposition a des caractéristiques intemporelles. Les personnages noirs ont subi des manipulations et ont été généralisés subordonnés aux érudits en art. Cette exposition encourage cependant les visiteurs à voir sans idées préconçues, à briser les stéréotypes et à tout voir avec un nouveau regard.

Des œuvres importantes telles que Wrist Action (2010) et Bound Over To Keep Faith (2012) peuvent être vues dans l'exposition. Certains critiques ont critiqué les personnages de Yiadom-Boakye en les qualifiant d'illusoires ou de monotones. Mais après la prolifération de la figuration noire dans l'art contemporain, l'artiste britannique propose des histoires d'êtres authentiques.

Yiadom-Boakye déclare dans ses écrits dans une pièce adjacente que «nous avons toujours été ici […] autosuffisants, en dehors des cauchemars et de l'imagination». Ses représentations prétendent placer l'art noir en dehors du canon.

Dans Une passion comme aucune autre (2012), il montre un personnage d'un drame de vengeance jacobéenne, une figure inquiétante faite avec des coups de pinceau sombres. Malgré cette singularité d'approche, le thème n'est pas répétitif et est plein de vie.

The Stygian Silk (2019) clôt l'exposition. Un portrait émotionnel d'une silhouette allongée entourée d'une meute de chiens noirs. Le titre est inspiré du fleuve Styx dans la mythologie grecque, lieu de tourment et de calamité. Dans cet ouvrage, on peut apprécier le symbolisme des chiens noirs associés à la dépression et la figure centrale exprimant l'espoir. Cet ouvrage permet de le lire dans une lecture contemporaine dans le cadre de cette année.

Roland Reiss (1929-2020)

Décembre 17, 2020 - artforum.com

Roland Reiss est décédé le 13 décembre à Los Angeles à l'âge de quatre-vingt-onze ans. Reiss était surtout connu pour ses dioramas des années 1970 et 1980. Ses œuvres englobent les arts visuels, l'expressionnisme abstrait et la peinture figurative.

Reiss a étudié différents modes de fabrication et a été un artiste prolifique d'avant-garde jusqu'à la fin de sa vie. Son travail était connu pour examiner la condition humaine et la culture moderne.

Il a passé ses vingt dernières années à peindre presque exclusivement de grandes fleurs stylisées. Le critique James Scarborough a décrit ces œuvres comme «pas encore vie Mais Vanitas peintures pour une ère numérique. »

Roland Reiss. Photo : artforum.com
Roland Reiss. Photo : artforum.com

Reiss est né à Chicago au milieu de la Grande Dépression et a déménagé avec sa famille à Pomona, en Californie, pendant la Seconde Guerre mondiale. Il a fréquenté l'American Academy of Art à Chicago, est diplômé du mont. Collège San Antonio à Pomona.

Après cela, Reiss a été enrôlé dans l'armée pendant la guerre de Corée. Mais de retour chez lui, il s'est inscrit au GI Bill à l'UCLA tout en retournant à la vie civile. Il a obtenu sa maîtrise en art en 1956.

Reiss a accepté un poste de professeur de peinture à l'Université du Colorado, à Boulder la même année. En 1971, il est retourné en Californie, où il a dirigé le programme d'études supérieures en arts à la Claremont Graduate University pendant trente ans.

Durant toutes ces années, il a développé une approche communautaire qui a donné au programme une reconnaissance nationale. Là, il a encadré des générations d'étudiants dans un programme novateur qui a établi une norme pour l'enseignement supérieur des arts.

Tout au long de sa carrière de soixante ans, Reiss a exposé son travail à la Biennale de Whitney en 1975 et à Documenta 7 (1982). En 2010, une chaire d'art financée a été créée à l'université en son nom.

Il a reçu quatorze expositions individuelles de musée, dont «Dance Lessons»: 12 sculptures (1977) au Los Angeles County Museum of Art (LACMA). Une rétrospective de 2014 à la Begovich Gallery de Cal State Fullerton a mis en lumière sa carrière d'auto-réinvention continue.

Ses œuvres font partie des collections permanentes du LACMA, du Museum of Contemporary Art et du Hammer Museum, tous à Los Angeles; le Whitney Museum of American Art, New York; le musée d'art du comté d'Orange, Santa Ana, Californie; et le Palm Springs Museum of Art, Californie, entre autres.

Wild Minds: les artistes et les rivalités qui ont inspiré l'âge d'or de l'animation

16 décembre 2020 - Via nytimes.com

«Fantasy» de Walt Disney a été créé au Broadway Theatre de Manhattan le 13 novembre 1940. Reid Mitenbuler raconte dans son nouveau livre «Wild Minds: The Artists and Rivalries That Inspired the Golden Age of Animation», que ce qui avait commencé comme un court métrage d'animation film pour relancer la carrière déclinante de Mickey Mouse, a fini par devenir un long film d'animation.

«Wild Minds» raconte l'histoire du premier demi-siècle d'animation. Il explique au lecteur comment «Fantasy» a marqué un tournant dans la culture américaine. C'est devenu une tentative de concilier l'ambition artistique avec les exigences de la consommation de masse.

Wild Minds - Les artistes et les rivalités qui ont inspiré l'âge d'or de l'animation par Reid Mitenbuler. Photo: nytimes.com
Wild Minds - Les artistes et les rivalités qui ont inspiré l'âge d'or de l'animation par Reid Mitenbuler. Photo: nytimes.com

«Fantasia» représentait à l'époque ce que les studios Disney devenaient: «un détenteur d'un pouvoir impressionnant». Le récit de Mitenbuler a l'histoire des studios Disney à son cœur parce que Disney est devenu la force formidable vers laquelle les autres studios d'animation se tournaient, faisaient face et rivalisaient.

Max Fleischer, le propriétaire du studio responsable de Popeye et Betty Boop, s'est plaint pendant ces années que «Blanche-Neige» de Disney, sorti en 1937, était «trop artistique». Cependant, la femme de l'un des frères Fleischer a déclaré qu'il fallait faire attention: «Disney fait de l'art, et vous continuez à frapper les personnages dans le cul avec des bâtons!»

Mais Mitenbuler suggère que ces mégots giflés faisaient partie de ce qui a rendu l'animation si révolutionnaire en premier lieu. «Wild Minds» commence avec les débuts de l'animation, dans les premières décennies du 20e siècle, lorsque la technologie de l'image en mouvement commençait encore.

Le travail créé dans l'industrie de l'animation était souvent allègrement dédaigneux de tout ce qui aspirait au bon goût dans ces premières décennies. C'était jusqu'à ce que les studios de cinéma eux-mêmes commencent à s'autocensurer au début des années 1930 pour éviter la réglementation gouvernementale. Car jusque-là, les animateurs suivaient une seule règle: «Tout est valable».

Mitenbuler suggère dans le prologue de «Wild Minds» que cette histoire passe de grossière à raréfiée. Mais l'une des choses les plus fascinantes qu'il dit est que l'animation, comme beaucoup de culture américaine, a continuellement mélangé toutes sortes de catégories et d'attentes.

Il raconte combien de créations de Disney étaient des configurations joyeuses de sombres contes de fées européens. «Wild Minds» raconte également comment les frères Fleischer ont réalisé un film avec un Teddy Roosevelt animé représentant des histoires de «The Canterbury Tales».

Dans les décennies qui ont suivi «Fantasy», alors que Disney Studios a continué à faire des films d'animation, Walt Disney a insisté sur le fait que ses films n'étaient pas destinés aux enfants et s'est efforcé d'utiliser un public adulte pour les progrès.

Même ainsi, Disney ne pouvait pas protéger l'industrie de l'animation contre les forces inexorables de la télévision, où l'argent réel était de s'occuper des enfants. «Wild Minds» se termine avec la mort de Disney en 1966. Cette même année, écrit Mitenbuler, «les trois principales chaînes de télévision ont transformé leur programmation du samedi matin en dessins animés».

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