Benny Andrews et l'actualité de la semaine du 31 novembre au 06 décembre 2020

Benny Andrews. Photo : macdowell.org
Benny Andrews. Photo : macdowell.org

L'exposition de Benny Andrews: «Portraits, a Real Person Before the Eyes» comprend, à ce jour, le plus grand nombre d'œuvres de l'artiste montrés ensemble. Toutes ces oeuvres couvrent une période de travail de 35 ans. Suh Se Ok, artiste et enseignant, a aidé à montrer la voie de l'art contemporain en Corée du Sud, bien des décennies après la fin de la guerre, et du colonialisme. Tracey Emin / Edvard Munch: La solitude de l'âme, devait ouvrir le Munchmuseet à Oslo plus tôt cette année.

Benny Andrews: une vie en portraits

4 décembre 2020 - Via artdaily.com 

«Une envie de représenter une vraie personne devant les yeux», c'est ainsi que Benny Andrews a jadis défini son ambition artistique. La phrase est maintenant le sous-titre d'une importante exposition à la Michael Rosenfeld Gallery à Manhattan. L'exposition s'appelle "Benny Andrews: Portraits, une vraie personne devant les yeux".

Cette exposition compte 28 représentations de la famille, des amis et des collègues de l'artiste. Le plus grand nombre d'œuvres de Benny Andrews qui ont été montrées ensemble et qui représentent une période de travail de 35 ans.

Toutes ces œuvres ont été réalisées avec une technique qu'il a appelée «collage brut». Ils forment des images fascinantes qui combinent des motifs peints avec des morceaux supplémentaires de tissu imprimé, de toile, de papier et de fragments de vêtements, tous soigneusement placés.

Andrews était un peintre, graveur et créateur de collages né le 13 novembre 1930 à Plainview, Géorgie, États-Unis. Son père était un pauvre métayer de Géorgie qui lui a appris à dessiner dans son enfance. Il n'est pas allé à l'école pour avoir aidé son père dans son travail. Mais le dessin et l'art sont devenus des outils incontournables qui l'ont accompagné tout au long de sa vie. Il a pratiqué des projets de biologie du dessin, de la géométrie plate et tout ce que les enseignants lui ont demandé de faire.

Dans les années 1950, il étudie à la School of the Art Institute of Chicago, où il commence à s'intéresser à la peinture. Il voulait peindre de manière représentative, même s'il n'aimait pas le raffinement constant qu'impliquait le réalisme.

Après avoir servi pendant la guerre de Corée, il a étudié à la School of the Art Institute of Chicago et a été attiré par le style expressionniste abstrait. En 1958, il s'installe à New York City faire un travail artistique et activiste.

Les précieux conseils artistiques de Boris Margo

Benny Andrews (1930-2006), Portrait du portraitiste, 1987. Photo: Roberta Smith
Benny Andrews (1930-2006), Portrait du portraitiste, 1987. Photo: Roberta Smith.

Son instructeur Boris Margo lui a donné de précieux conseils artistiques. Il a dit à Andrews de peindre ce qu'il connaissait le mieux et qui l'intéressait. Après avoir reçu ce conseil, Andrews a créé son œuvre «Janitors at Rest», qui était sa première tentative de collage brut.

Dans celui-ci, il a dépeint trois hommes en pause; une lecture, les deux autres parlent peut-être. Andrews a éclaboussé la surface avec des morceaux de papier comme les concierges pourraient balayer, peut-être pour introduire un peu de crudité et éviter le raffinement.

Dans «Portrait du portraitiste», la scène est imprégnée de plaisir et d'anticipation. On peut ressentir la joie d'être à la fois artiste et sujet. Dans cette œuvre, un artiste (probablement Andrews) est assis devant une femme magnifiquement habillée.

Il semble qu'Andrews ait pris à cœur les conseils de Margo, décrivant ce qu'il savait et ce qui l'intéressait.
Ce concept l'a porté dans plusieurs domaines de sa vie et de son militantisme. Ses proches, ses collègues artistes, ainsi que la souffrance humaine et l'injustice sociale. Finalement, il a dépeint son monde et ses valeurs, qui sont peut-être tout ce que l'on peut demander à un artiste.

Benny Andrews a épousé Mary Ellen Jones Smith, une photographe, en 1957 et a eu trois enfants, Christopher, Thomas et Julia, avant de se séparer en 1976 et de divorcer officiellement en 1986. Andrews est décédé d'un cancer le 10 novembre 2006, à l'âge de 75 ans.

L'artiste Suh Se Ok, pilier de la peinture contemporaine coréenne, décède à 91 ans

5 décembre 2020 - Via artnews.com 

Suh Se Ok était un artiste et enseignant qui a aidé à guider la voie de l'art contemporain en Corée du Sud pendant des décennies après que le pays soit sorti du colonialisme et de la guerre. L'artiste est décédé le 29 novembre à 91 ans, selon Lehmann Maupin, sa galerie à New York.

Suh Se Ok est né à Daegu en 1929. En 1949, alors qu'il était encore à l'université à l'âge de 20 ans, il a remporté la première place du premier concours d'art de Kukjon du gouvernement coréen. Il est diplômé de l'Université nationale de Séoul avec un diplôme en peinture en 1950. Il y a enseigné pendant des décennies et c'est là qu'il a fondé Mungnimhoe.

Suh Se Ok. Photo : Lehmann Maupin, New York.
Suh Se Ok. Photo : Lehmann Maupin, New York.

À la fin de 1959, Suh a formé Mungnimhoe, la Ink Forest Society (un groupe qui a continué jusqu'en 1964). Il est devenu le premier groupe d'avant-garde coréen basé sur la peinture à l'encre. Suh essayait d'amener ce médium traditionnel dans un territoire original dans les œuvres abstraites. Perfectionner la pratique avec ses ingrédients bruts et essentiels et des impressions avec un pinceau à encre et eau ou des lignes sur du papier de mûrier artisanal.

Suh et la Mungnimhoe Society étaient déterminés à forger une forme expérimentale de peinture à l'encre totalement coréenne. Ils voulaient éviter l'utilisation de Japonais techniques qui avaient prévalu pendant leur domination coloniale sur la péninsule, qui a pris fin en 1945.

Une forme expérimentale de peinture à l'encre totalement coréenne

Ils étaient toujours en dialogue avec les mouvements de peinture abstraite américains et européens d'après-guerre, comme Art Informel. Mais ils ont rejeté leurs outils, contrairement à beaucoup de leurs contemporains coréens. Suh a défendu leur utilisation de l'encre dans un débat en 1966, expliquant que «si les artistes expérimentaux coréens continuaient à s'approprier les artistes expérimentaux occidentaux, il perdrait bientôt complètement sa compréhension de l'art».

Suh a généré une œuvre avec beaucoup d'énergie visuelle et de drame, avec un minimum de matériaux. Dans sa série la plus célèbre, «People», on peut voir des constellations de figures humaines interconnectées. Ces personnes symboliques se tiennent dans des chaînes ténues, formant des murs solides lorsqu'ils s'agenouillent, se tiennent debout ou dansent.

Suh a beaucoup exposé, participant à la Biennale de São Paulo en 1963. Il a fait l'objet d'une exposition organisée dans le cadre de la Biennale de Gwangju 2000 en Corée du Sud. Suh a réalisé deux expositions personnelles avec le Musée national d'art moderne et contemporain de Séoul en 2015. Il a également organisé quatre expositions personnelles à la galerie Hyundai de la capitale coréenne. En 2012, il a reçu l'Ordre du Mérite Culturel de Corée du Sud au niveau Argent.

On se souviendra sûrement de Suh Se Ok comme d'un artiste qui a donné une nouvelle vie à un médium aux connotations potentiellement mortelles. La peinture à l'encre peut sembler dépassée à une époque de changement radical de l'art mondial, mais cette pratique, qui remonte à un millénaire dans le passé, est toujours vivante.

Tracey Emin / Edvard Munch: La solitude de l'âme

3 décembre 2020 - Via theguardian.com 

Tracey Emin / Edvard Munch: La solitude de l'âme, devait ouvrir le Munchmuseet à Oslo, dans le port de la ville plus tôt cette année. Mais le Covid-19 a une fois de plus forcé des changements et l'exposition ouvre désormais à Londres.

A Londres, l'exposition occupe trois salles. Quand il ira à Oslo l'été prochain, il comprendra également My Bed d'Emin, son film de 1998 Hommage à Edvard Munch et All My Dead Children, et une série d'autoportraits élargis et insomniaques.

Munch est la mort de Marat. Photo: Munchmuseet
Munch est la mort de Marat. Photo: Munchmuseet

Tracey Emin est une figure importante de l'art contemporain depuis plus de 25 ans et un pionnier d'un nouveau style radical. Dans cette exposition historique, Tracey Emin sélectionne des chefs-d'œuvre de Edvard Munch à montrer aux côtés de ses peintures les plus récentes.

Tracey Emin a longtemps été fascinée par l'expressionniste et peintre norvégien de The Scream, Edvard Munch: selon ses mots, «je suis amoureuse de cet homme depuis l'âge de dix-huit ans». En 1998, elle crée une pièce vidéo tournée sur le même quai d'Oslo qui a accueilli plusieurs de ses œuvres bien connues.

Ceci est un exemple de la façon dont Tracey Emin, comme Munch, embrasse même les expériences les plus douloureuses pour créer de l'art. L'exposition présente plus de 25 œuvres d'Emin, dont des peintures, dont certaines seront exposées pour la première fois, ainsi que des néons et des sculptures.

Ces œuvres, qui explorent la solitude de l'âme, ont été choisies par Emin pour accompagner une sélection minutieuse de 19 huiles et aquarelles tirées de la riche collection et des archives de Munch à Oslo, en Norvège.

C'est l'occasion de voir le travail d'Emin dans une exposition très personnelle. La sélection révèle non seulement à quel point Munch a été une inspiration constante à travers ses portraits profonds de femmes. Il montre également le large éventail de compétences d'Emin en tant qu'artiste, mêlant souvent peinture, dessin et écriture.

Vus ensemble, les territoires sombres et les émotions brutes dans lesquelles les deux artistes naviguent émergeront comme une exploration émouvante du chagrin, de la perte et du désir. Dans son travail, Munch a enregistré et dramatisé sa vie, ses misères et son état psychologique, ses difficultés avec les femmes et sa consommation d'alcool.

Le travail d'Emin n'est pas moins autobiographique et confessionnel. C'est une conteuse qui raconte des histoires avec ses peintures. Mais ce sont souvent les titres qui portent une grande partie du poids émotionnel. Elle n'a pas le sens théâtral, parfois filmique, mélancolique de l'atmosphère de Munch. Les peintures d'Emin me semblent plus un acte, une performance, qu'une représentation. En d'autres termes, ce ne sont pas des peintures comme celles de Munch.

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